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¡Hola de nuevo! Sí, ya estamos en marzo. Es re tarde para estar publicando una lista de mejores discos del año pasado. Y probablemente estés pensando: “eu La La Lista, ¿qué onda? Estábamos esperando tu lista anual de los mejores discos locales”. Bueno, ¡alegrate! Por fin estamos listxs para presentar nuestros lanzamientos favoritos del año que se nos pasó volando.
2022 fue un año de sorpresas, experimentos y descubrimientos. Fue un año que nos desafió, nos conmovió y nos inspiró. Y no queríamos apresurarnos ni perdernos ninguna de las joyas que surgieron de la escena independiente local en Buenos Aires y más allá. Necesitábamos algo de tiempo para digerir y saborear adecuadamente toda la música increíble que se publicó, y para dar a cada álbum la atención que se merece.
Pero la espera valió la pena. Hemos escuchado de todo: fusiones de género, cantautores introspectivas, temazos de joda, críticas socio-políticas que invitan a la reflexión. Nos ha sorprendido la creatividad y originalidad de lxs artistas que han publicado álbumes en 2022, y nos complace compartir nuestros favoritos con vos.
Ahora, ¿a qué llamamos “discos locales”? Como de costumbre, nuestra definición de “local” abarca toda Argentina, y nos referimos a artistas activos dentro de la escena argentina. Por lo tanto, si un grupo está formado íntegramente por inmigrantes, pero forma parte de la escena local, es válido para esta lista. Además, no tenemos miedo de desdibujar las líneas entre EPs y LPs. Porque, admitámoslo, en la era digital, los formatos son sólo etiquetas: lo que cuenta es la música.
Esperamos que disfrutes de nuestras selecciones y, como siempre, estamos impacientes por ver qué depara el futuro a la escena musical independiente de Buenos Aires y más allá. Que sigan fluyendo las buenas vibras, y sigamos apoyando a los artistas que hacen cantar a nuestros corazones. Así que sin más preámbulos, vamos a sumergirnos en las selecciones de La La Lista para los mejores álbumes locales de 2022.
Aromo – El ricuerdo
Aromo es un trío conocido por su fusión de música folclórica autóctona de América Latina con una sensibilidad indie, y su lanzamiento de 2022 El ricuerdo nos muestra al grupo en su mejor momento. El álbum es una adaptación musical de un libro de poesía de Isabel Cascallares Gutiérrez. Muestra el excepcional talento del trío para crear canciones elegantes que se complementan a la perfección con las poéticas letras.
Las cualidades sonoras del álbum son notables, con un sonido predominantemente acústico que es profundo, resonante y espacioso. La capacidad de Aromo para mezclar la música folclórica tradicional de Argentina y regiones vecinas con un toque moderno hace que El ricuerdo sea único y cautivador. La instrumentación del álbum es exquisita, y la calidad de la producción es francamente exuberante.
El magnífico tema que da título al álbum marca la pauta, mostrando el uso que hace el trío de las serpenteantes líneas del bandoneón, que evocan tanto la tradición celta como la andina. Le sigue “Coqueando”, una balada tranquila y tierna en la que destacan las armonías vocales y la instrumentación acústica del trío. “Fue en el cruce del camino”, con un majestuoso piano, es una conmovedora canción de cuna.
En general, El ricuerdo es un álbum sobresaliente que muestra la excepcional musicalidad de Aromo y su habilidad para traer los sonidos tradicionales a la actualidad. Este álbum es una escucha obligada para lxs fans del Dúo Salteño, Mercedes Sosa y Atahualpa Yupanqui, así como para cualquiera que aprecie la música hermosa y conmovedora. La mezcla de folclore tradicional y sonidos contemporáneos está magistralmente ejecutada, creando una experiencia auditiva única y cautivante.
Nahuel Briones – Milagros inútiles
Si alguna vez hubo un álbum que capturara la panoplia de lo bizarro que fue 2022, ése es Milagros inútiles, de Nahuel Briones. En su quinto álbum en solitario, el artista se mantiene fiel a su modus operandi, fusionando varios estilos y creando hermosas canciones idiosincrásicas llenas de momentos de belleza, caos, confusión y terror.
El álbum abre con la canción “Marciano abandonado”, un tema extraño y surrealista con ritmos glitchy, efectos bizarros y power chords repentinos, que acompañan el paranoico rap de Briones antes de pasar brevemente a algo que se logra asemejar a los Beatles. La canción tiene una letra hermosamente absurda y un tono decididamente anárquico que marca el tono del resto del álbum.
“El gemelo que encerramos en el sótano” tiene un aire punk de los Misfits que se transforma brevemente en un pastiche del rock and roll de los años cincuenta. “Internet nos cagó” se construye alrededor de un ritmo de marcha entrecortado que impulsa la canción hacia adelante. “Sitcom” es lo más parecido a una canción pop pegadiza que hay en el álbum, con una sección realmente emotiva en la que Briones canta “pienso mucho en vos”.
Todas estas canciones son inusuales e interesantes. El álbum da giros inesperados, y hay múltiples momentos en los que escuchas arreglos que te hacen reír por su pura audacia. Nahuel Briones sigue siendo uno de los artistas más idiosincrásicos e interesantes de la escena.
Delfina Campos – Cómo Bailan los Demás
Imagínense un teatro Vorterix lleno de fans apasionadxs de Mitski impacientes por ver a su cantante favorita. Ellxs están ahí para ver a Mitski, y cualquier acto de apertura representa un obstáculo más entre ellxs y su cantante favorita. Es una propuesta aterradora para cualquier telonerx. Pero la cantante y compositora Delfina Campos salió a escena y, en el transcurso de un breve pero contundente set, fue capaz de ganarse al público con su estilo de música pop nocturno. Ya estaba en nuestro radar como un talento en ascenso, pero su set en Vorterix la consolidó ante nuestros ojos como una increíble cantante y compositora.
El álbum debut de Delfina Campos, Cómo bailan los demás, es un fantástica exhibición de su innegable talento. Es un viaje emocional que lleva al oyente a través de dramas personales y luces nocturnas de ciudad. Las influencias trip-hop son evidentes a lo largo del disco. La canción que abre el disco, “Detrás del espejo”, es una introducción brillante que presenta la personalidad sonora y lírica del álbum.
“Hemofilia” destaca por sus preciosos arreglos empapados de lluvia, mientras que “Secretos” inyecta un sonido con influencias funk sin comprometer la estética general. Hay muchos detalles interesantes a lo largo del álbum; en “Romance con la luna” se oye un murmullo muy bajo, apenas perceptible, de un público hablando, lo que añade un toque de ambiente que complementa la encantadora melodía cadenciosa de la canción. Cómo bailan los demás es un álbum brillante, con una identidad sonora y una estética muy claras. Adecuado para largos paseos nocturnos reflexionando sobre las victorias y fracasos de la jornada.
Chechi de Marcos – Cecilia
Cecilia, el álbum de la cantautora Chechi De Marcos, es una impresionante muestra de su destreza y versatilidad musical. El álbum es principalmente acústico, pero hay mucho más de lo que parece. Desde el primer tema, “No me quieras tanto” (una colaboración con Luca Bocci), queda claro que la composición es inusualmente habilidosa, con arreglos exuberantes y hermosos.
Una de las canciones más destacadas del álbum es “Por vos nada”, que introduce influencias new wave con un ritmo dinámico en las estrofas que desemboca en un estribillo pegajoso. La canción es un ejemplo perfecto de la habilidad de De Marcos para mezclar a la perfección diferentes géneros y crear algo único. “La sorpresa” es otra joya del álbum, con un ritmo Motown que sostiene una canción preciosa y pop con encantadores toques de teclado (¡e incluso un clavicordio!). Las capas de coros confieren a la canción una calidad de ensueño que resulta cautivadora y edificante.
Pero quizá la canción más impactante del álbum sea “Las cosas simples”, una balada con un irresistible solo de guitarra slide que muestra las habilidades emotivas de De Marcos como intérprete y su profundidad emocional como compositora. La canción es un ejemplo perfecto del poder de la sencillez y la belleza de los arreglos despojados.
Por último, el álbum cierra con “Mirar las nubes”, un tema que cuenta con toques de producción poco comunes, incluyendo samples vocales, guitarras estruendosas y repentinos toques musicales inesperados. Un final dinámico e impactante, que deja una huella imborrable y sirve de perfecta conclusión a este impresionante disco.
Diciembre de 2001 – Deshacer
Deshacer, el álbum de Diciembre de 2001, es un testimonio de la longevidad del shoegaze, un género de nicho que se ha mantenido fuerte durante casi cuatro décadas desde su creación a finales de los años ochenta. El álbum muestra claramente la influencia de los pioneros del género My Bloody Valentine, empleando todos los elementos característicos del género e inyectándoles su propia idiosincrasia para crear una pieza musical explosiva. Desde las voces empapadas de reverberación enterradas en lo más profundo de la mezcla hasta el brutal vaivén de texturas de guitarra, la batería propulsora y las letras mínimas, el álbum transmite una sensación de frustración y ensueño que es un sello distintivo de este estilo.
Diciembre de 2001 es el proyecto personal del batería Jano Castro, y llevan publicando música de forma constante a través de su Bandcamp desde julio de 2020. Temas como “Azul” se remontan a principios de los 90, mientras que piezas más experimentales como los temas “(I)”, “(II)” y “(III)” parecen transmisiones alienígenas procedentes de galaxias lejanas. Esto no hace sino aumentar el encanto del álbum, creando un sonido que es a la vez crudo y bello. “Sensible”, uno de los temas más destacados del álbum, inyecta una cruda agresividad punk que recuerda a los días más caóticos de Sonic Youth.
El sonido del álbum está se siente como un torbellino, de la mejor manera posible, y la producción cruda y en momentos lo-fi hace que el color individual y el detalle de cada elemento musical se filtren y alimenten entre sí; una tormenta de amplificadores, batería, y voces, creando un muro continuo de sonido. Es una experiencia auditiva muy satisfactoria de principio a fin.
Diente de Madera – Sand
Mucho ha cambiado desde que Diente de Madera escribió su último EP (Nadadura, 2016). Previamente en las profundidades del Appalachian Drone, este último lanzamiento encuentra al oriundo de New Jersey, Jonah Schwartz, en un lugar más accesible. Podríamos atribuir esto al nacimiento de sus 2 hijas, a la aparicion de una pandemia global o quizás simplemente al paso del tiempo – pero más allá de la causa, es un hermoso disco para las mañanas en las que cuesta arrancar. Miremos, por ejemplo, el opener “When I Was Just a Girl”: una melodiosa canción folk que se apoya en las armonías a 2 voces de Betty Blight, una guitarra con muchísimo reverb y un saxofón cabizbajo sonando en la distancia. Es difícil imaginar una mejor canción para comenzar el día – pero también hay tristeza acá.
En agosto de 2022, falleció la cantautora Karina Vismara. Una compositora realmente talentosa, dotada con una voz de otro mundo que complementaba con su impecable dominio de las seis cuerdas, su temprana muerte fue una pérdida incalculable para la escena local y para el folk en general. Una de sus últimas colaboraciones, “Ventana”, encuentra perfectamente su lugar en el disco. En materia de sonido, “Ventana” es una especie de bálsamo para esta pérdida. Con una preciosa armonía a 3 voces y arpegios de guitarra que mutan en un zumbido sibilante rumbo al estribillo, tranquilamente podría ser una canción de cuna para un momento ya perdido en el tiempo.
La segunda parte del EP regresa a un terreno más familiar para Schwartz – las meditaciones instrumentales de “Le Mat” le abren paso al drone de “Blood Red Roses”, una catártico y salvaje canto fúnebre de 8 minutos que resulta demasiado pesado para aferrarse a él y demasiado doloroso para soltarlo. Sabemos cómo se siente.
El Féral – Quemalo
El Féral, el proyecto del músico Fernando De Marco, ha desatado una odisea auditiva con su último álbum, Quemalo. Mezclando a la perfección una amplia variedad de estilos, esta aventura musical ofrece una experiencia auditiva ecléctica pero armoniosa.
El tema más destacado, “Olas de amor”, es un ejemplo perfecto de la capacidad de De Marco para sintetizar sonidos dispares. Comienza con una línea de guitarra de reverberación pesada y espacial, que evoca ondas jangle pop, antes de tomar un sorprendente desvío hacia un ritmo más pausado. Unas delicadas teclas y una exuberante sección de cuerda acompañan a la conmovedora voz de Marco, dando como resultado una mezcla de jazz y funky pop con matices psicodélicos.
A lo largo de su duración, el álbum combina magistralmente ritmos programados y sintetizadores con elementos orgánicos como la guitarra acústica y la batería en directo. La inconfundible voz de El Féral es a veces autotuneada para crear un efecto de otro mundo, añadiendo otra capa de intriga al paisaje sónico. “Siempre Algo”, que abre el álbum, es un tema a medio tempo que se mueve con maestría entre la suavidad y la amenaza. Por el contrario, “Cómo y cuándo” es una tierna balada que muestra el talento de la cantante invitada Carolina Donati. Este tema se construye en torno a un hermoso hook de guitarra acústica, pasando de lo íntimo a lo expansivo a medida que avanza.
En “Bien conmigo”, El Féral se sumerge en el terreno de la composición pop confesional, explorando el anhelo romántico. Por su parte, “Ya está bien” es una conmovedora canción lenta que recuerda a Prince, completada con un contundente solo de guitarra eléctrica. Por último, el tema que da título al disco, “Quemalo”, es la canción más enérgica del álbum. Este intenso final deja a los oyentes con ganas de más del sonido único y desafiante de El Féral.
Fin del Mundo – La ciudad que dejamos
El nuevo EP de Fin del Mundo, La ciudad que dejamos, muestra el excepcional talento y creatividad de la banda. El álbum contiene cuatro temas que mezclan el dream pop con el post-rock, dando como resultado un sonido etéreo y atmosférico impresionante. “Hacia los bosques”, la canción que abre el disco, marca la pauta para el resto del EP, con su sonido alegre pero profundamente nostálgico. Los sonidos ambientales empapados de reverberación crean una atmósfera onírica que envuelve al oyente. La forma en que la dinámica cambia de una melodía oscura y relajante a una línea de guitarra distorsionada de un movimiento a otro es abrumadora.
El segundo tema del EP, “El próximo verano”, es esperanzador y vibrante, con una brillante guitarra solista y sutiles toques de sintetizador que complementan el romanticismo de la canción. El tema muestra la versatilidad del grupo, que alterna sin esfuerzo entre paisajes sonoros atmosféricos y ensoñadores y melodías alegres. “Desvelo”, por su parte, es un inquietante vals con la grandeza y la intensidad creciente de un tema post-rock. La melodía es preciosa y etérea, deslizándose sobre la música como una estrella fugaz sobrevolando la aurora boreal. El tema final del EP, “El incendio”, es una epopeya que cambia de tempo y de sentimiento varias veces, culminando en un clímax explosivo que cierra el álbum de manera contundente.
En general, La ciudad que dejamos es un logro impresionante de Fin del Mundo. Desde el punto de vista de la textura y la producción, es un gran paso adelante para este joven y talentoso grupo.
Gente Conversando – Gente Conversando vs. la industria musical
Desde el primer tema, “La intimidad”, queda claro que Gente Conversando no están interesados en ajustarse a ningún género o sonido en particular. El tema comienza con unas notas de flauta y una sección rítmica al estilo de Yo La Tengo, antes de pasar a una sección instrumental que encaja con el ritmo inicial. El uso del diálogo a lo largo del álbum añade una sensación de surrealismo que resulta muy atractiva y ayuda a crear una experiencia auditiva única.
El tema “Borracho en el babyshower” destaca por su sonido grave y groovy con un toque amenazador e incluso cierta influencia dub. El uso de tonos de guitarra y la producción en general le dan una onda medio David Lynch al tema. “La diva” es otra canción destacada que presenta un sonido divertido y sardónico con un toque cinematográfico. El tema tiene un gran sentido del humor y cuenta con un estribillo pegadizo que se te quedará grabado en la cabeza mucho después de que termine la canción.
“Los psicópatas” es un tema que consigue sonar emotivo y conmovedor a la vez que parece una sesión de poesía slam sobre un ensayo de una banda de shoegaze. El sonido único de la canción es un testimonio de la voluntad de la banda de experimentar con diferentes sonidos y estilos. Mientras tanto, “La exposición” aumenta en intensidad como una canción de Happy Mondays, manteniendo un ritmo divertido en todo momento. La canción cuenta con un gran trabajo de texturas y se siente como una encapsulación perfecta del sonido de la banda, antes de terminar con una brusquedad sorprendente.
En general, Gente Conversando vs la industria musical es un viaje humorístico, extraño y muy convincente. El uso de los diálogos y la producción en general contribuyen a la sensación surrealista del álbum, y la voluntad del grupo de experimentar con diferentes sonidos y estilos hace que cada tema parezca una experiencia auditiva única a la vez que forma parte de un todo.
Haien – Olas
Olas, el cautivador segundo álbum de la cantautora Haien, es una gran experiencia sonora y emotiva. Después de su etapa como vocalista del legendario grupo argentino de synth-pop Adicta, Haien ha creado un álbum rebosante de composiciones memorables e idiosincrática que muestran su evolución como artista pop.
La canción que abre el disco, “Adrenalina y corazón”, marca el tono del álbum con una exuberante y etérea introducción que rápidamente da paso a un resplandeciente sonido pop inspirado en los años ochenta. Olas de sintetizadores y vibrantes guitarras acompañan esta historia. “Un Diamante” ofrece una chispeante mezcla de efervescencia y nostalgia, y su onda sofisti-pop atrae comparaciones con Los Besos. “Cables”, uno de los temas más destacados del álbum, entrelaza con maestría influencias del trip-hop de los noventa y el melodicismo francés. Las estrofas te atraen antes de estallar en un estribillo más enérgico.
“Estrella Fugaz”, una canción más íntima e introspectiva, gira en torno a una guitarra acústica y explora la alegría del enamoramiento. Sonidos sutiles salpicados a través de la mezcla crean una experiencia realmente envolvente para el oyente. A medida que te adentras en Olas, “Nuevos paradigmas” presenta un paisaje sónico que recuerda al Talkie Walkie de Air. La expresiva voz de Haien actúa como un faro, guiando a los oyentes a través del turbulento pero intrigante terreno sonoro de la canción.
Olas es un álbum muy bien elaborado y atractivo que muestra el crecimiento de Haien como artista; una escucha obligada para cualquiera que busque una experiencia pop fresca y envolvente.
Santi Grandone – M.A.L.A.
M.A.L.A., el nuevo álbum de Santi Grandone, es una exploración magistral de lo extraño y lo familiar, mezclando sin esfuerzo ambos elementos en una cautivadora colección de canciones “bedroom pop” que ahondan en lo estrafalario y lo introspectivo. La producción del álbum es intencionadamente mínima, con la voz de Grandone tan alta en la mezcla que parece que te esté cantando al oído. Esta cualidad íntima contribuye al encanto único del álbum.
Para empezar, “Gato negro” presenta una atmósfera oscura y claustrofóbica que recuerda a una versión mutante del garage rock de los 60. Por otro lado, “Matar a la araña” consigue ser a la vez inquietante y divertida de escuchar, demostrando aún más la variedad de Grandone como artista. “Durmiendo mal”, una de las canciones más destacadas del álbum, resume la experiencia tan familiar de las noches en vela llenas de pensamientos inquietos. La capacidad de Grandone para transmitir este sentimiento tanto lírica como musicalmente, sin dejar de crear una melodía irresistiblemente pegadiza, es un testimonio de su habilidad como compositor.
“Frutilla” bordea el territorio del blues, pero se desvía hacia un terreno maravillosamente extraño, con ecos de las colaboraciones blueseras entre Tom Waits y Marc Ribot. Por su parte, “Lago de tus ojos” es una balada envolvente con su línea de bajo y su relajante fondo de sintetizador, mostrando la capacidad de Grandone para crear una experiencia sonora seductora.
El álbum concluye con “Que linda mañana”, que parece ser la continuación temática de “Durmiendo Mal”. Este tema final significa la llegada de la luz de la mañana y el fin del tormento del insomnio, proporcionando una resolución adecuada al arco narrativo del álbum.
Isla Mujeres – Correr adentro
Isla Mujeres, trío oriundo de La Plata, ha hecho un regreso triunfal con su álbum Correr adentro, una hermosa colección de sedosos temas nocturnos. Comenzando el álbum con la febril y obsesiva “Esperándote”, la banda nos transporta a un mundo de anhelo romántico, con acordes de guitarra con eco, líneas de bajo profundas y voces humanas distorsionadas que parecen flotar al borde del reconocimiento.
Todo el álbum es una montaña rusa emocional, con letras intrigantes y compartibles. “Lento”, por ejemplo, es un himno pop bailable repleto de repentinas pinceladas de sintetizadores y un contagioso ritmo que te desafía a quedarte quieto. La colaboración con Anyi en “Acuario” añade una dimensión extra al álbum, con una pista de guitarra acústica que florece en un hermoso arreglo de sintetizadores burbujeantes.
La canción que da título al álbum, “Correr adentro”, es un tema bailable que entrelaza voces distorsionadas y juguetones sonidos de teclado para crear un ritmo irresistible. Mientras tanto, temas como “Poder” y “Esta noche” aportan un toque de intensidad al álbum, inclinándose más hacia el lado del rock con sus líneas de bajo propulsivas, baterías energéticas, y una sensación general de excitación nerviosa.
La banda no teme experimentar con diferentes ritmos y estilos, como demuestra “Asfalto”, que toma el ritmo dembo y lo ralentiza, creando un paisaje sonoro oscuro y ensoñador. Por último, “¿Hace falta que te lo diga?” sirve como un jam instrumental más bien jazzero, que cierra el álbum de forma satisfactoria, dejando a los oyentes con la sensación de haber viajado a través de los variados e intrincados paisajes sonoros del mundo de Isla Mujeres.
Los Subtitulos – Espectador entra a escena
Los Subtitulos son una banda de indie noir (sí, un término inventado por nosotros) conocida por su capacidad para infiltrarse en nuestra psique y dejar una impresión duradera, y se han superado a sí mismos con su álbum Espectador entra a escena. Esta joya musical es una mezcla magistral de melodías inquietantes, letras evocadoras y ritmos hipnóticos que te llevarán a un viaje de exploración existencial.
La canción que abre el álbum, “Domingo negro”, es un excelente ejemplo de la destreza de la banda, ya que rebosa terror y ansiedad, al tiempo que se despliega con gracia en un estribillo elegante y cadencioso que oculta la oscuridad subyaciente. A medida que te adentres en el álbum, te verás arrastrado al territorio del desert rock de temas como “Burocracia” y “Pulmón de manzana”, donde los acordes difusos y los teclados distantes crean una atmósfera de inquietante tranquilidad.
Pero no dejes que las pistas más lentas te adormezcan en una falsa sensación de seguridad, ya que el álbum acelera el ritmo con canciones tensas, cinéticas y energéticas como “Muerto” y “Cinturón y cordones”. Estos temas inyectan un toque de psicodelia a la mezcla, añadiendo otra capa de complejidad a un tapiz sonoro ya de por sí rico. Mientras tanto, temas como “Futuro” invitan a los oyentes a bailar hacia una época más sombría con un ritmo irresistible y una melodía cautivadora.
En resumen, con Espectador entra a escena, Los Subtítulos han creado un álbum verdaderamente excepcional. Es un viaje musical que te atrapará con sus multifacéticos paisajes sonoros, te cautivará con sus temas irresistibles y te dejará con ganas de más.
Maca Mona Mu – KELP
Maca Mona Mu es una de nuestras cantantes y compositoras favoritas del momento, y su nuevo álbum KELP apunta hacia una continuación (y refinamiento) de su característico estilo, impregnado de dramatismo y emotividad. A lo largo de todo el álbum, Mona Mu parece sentir profundamente la emoción de cada canción, habitando cada letra, que a menudo aparecen como monólogos rebosantes de emoción desenfrenada. Es un álbum con muchas capas y una producción exuberante que explora una amplia gama de sonidos y emociones.
“La cobardía” es a la vez el primer single del álbum y la canción de apertura. Maca Mona Mu lanza una rápida sucesión de ideas musicales ricas e interesantes en un tiempo de ejecución inusualmente corto (el tema sólo dura un minuto y medio, como si quisiera ser conciso). Aunque se abre como una canción folk de guitarra acústica y voz suave, cualquier noción de minimalismo se desvanece de inmediato cuando irrumpen el ritmo tribal de la batería y las exuberantes cuerdas, y la voz de la cantante se vuelve rápidamente más confrontativa y urgente.
Los demás temas del álbum siguen mostrando el talento de la artista para crear canciones emotivas con arreglos extraordiarios: “Estoy enojada” cuenta con una sutil trompeta que da el color justo a la canción, sin sobrecargar el sonido. “Lo sabe mi mamá” ostenta una orquestación absolutamente magnífica, con algunos de los arreglos de cuerda más bellos que hemos escuchado en los últimos tiempos, y una sección de viento dramática que mueve la canción con maestría. “Riachuelo” trae algunos elementos de distorsión digital que llevan la canción a un nuevo espacio emocional, y “Qué es irse” cuenta con la voz invitada de Agustina Paz, llevando el álbum a un hermoso y emotivo final.
En conjunto, KELP es un álbum sensacional que pone de manifiesto la fuerza de Maca Mona Mu como artista. Desde las notas iniciales de “La cobardía” hasta los momentos finales de “Qué es irse”, es un álbum que exige tu atención y recompensa repetidas escuchas.
Lucas Martí – La memoria de un kiss
La memoria de un kiss de Lucas Martí es una espectacular mezcla de arreglos musicales extravagantes, letras ingeniosas y sonidos innovadores. La primera vez que nos topamos con el tema “Todos sabemos coger”, esperábamos que cumpliera nuestros elevados estándares de excelencia musical. Afortunadamente, superó nuestras expectativas con sus sintetizadores de ensueño, ritmos ágiles y repentinas explosiones de acordes distorsionados. Ahora sólo necesitábamos que el resto del álbum fuera igual de bueno.
Y, afortunadamente, el álbum lo consigue. Empieza con la ingeniosa y pegajosa “La Memoria de un beso”, un dueto entre Lucas Martí y Manuela Mantero. Es difícil no comparar esta gran canción con los clásicos del grupo Miranda!. A medida que avanza la canción, el paisaje sonoro se rellena con sintetizadores y una cautivadora guitarra solista.
“Tiki tiki constante” es un tema de pop enérgico que habla de aferrarse a la persona que te reconforta en un mundo caótico e implacable. La memoria de un beso nunca pierde el sentido del humor, como demuestran las letras subidas de tono e hilarantes de canciones como “Pegados como perros”, que establece un paralelismo entre el apego romántico y el anudamiento entre perros después del sexo. “Con vos y ahora” es un tema intrigante que a veces suena como un reggaeton roto y profundamente desfigurado, lo cual definitivamente nos gusta. La tranquila e íntima “Ángel” destaca como una de las potenciales favoritas del álbum, con sus capas de armonías vocales y una melodía zigzagueante pero melódica y agradable.
En resumen, La memoria de un kiss es un álbum tremendamente creativo, divertido y, en ocasiones, sorprendentemente conmovedor y romántico. Escúchalo y déjate atrapar por sus extraños encantos.
Mi Amigo Invencible – Isla de Oro
Isla de oro, el último trabajo de los mendocinos de Mi Amigo Invencible, es una fantástica colección de arreglos cuidadosamente elaborados, buenas vibras y letras cautivadoras. Inspirado en el pop-rock de los años 60, Isla de oro es un disco más alegre y asoleado que su anterior trabajo, el alabado Dutsiland. A pesar de haber sido grabadas en sólo ocho días, las canciones se sienten plenamente desarrolladas y vividas, aunque también muestran una innegable sensación de espontaneidad y diversión que acompaña las interpretaciones.
Un tema destacado, “Impecable”, muestra la atención al detalle y la sensibilidad de la banda, con su piano entrecortado, guitarra slide, percusión inesperada y dramáticos samples orquestrales. Combinando temas de vacilación, anhelo y emociones ocultas, “Impecable” logra un delicado equilibrio entre la tensión y la relajación.
La columna vertebral del álbum es el excepcional bajo de Lucila Pivetta (también del grupo Ruiseñora), quien sostiene la música en todo momento. Además, Isla de oro cuenta con colaboraciones de miembros destacados de la escena local, como Diosque en “Mapa” y Paula Trama (de Los Besos) en “Accidentes geográficos”. Isla de oro es una prueba de la capacidad de Mi Amigo Invencible para crear un álbum divertido y artísticamente rico.
Sofía Naara – Las Torpezas
Las torpezas es el último trabajo de la polifacética Sofía Naara, una obra de arte meticulosamente elaborada que muestra su impresionante variedad y sofisticación melódica. Muy diferente al sonido power-pop desenfrenado de su otro proyecto MUGRE, Las torpezas es un testimonio de la visión artística única de Naara.
El álbum, que ha sido cuidadosamente construido a lo largo de varios años, presenta intrincados diseños y composiciones que funcionan armoniosamente. A lo largo de Las torpezas, la percusión desempeña un papel importante, con una variedad de sonidos inesperados a través de las canciones. El tema que da título al disco comienza de manera lenta, para acabar transformándose en una acelerada exhibición de las rítmicas y trepidantes letras de Sofía.
“Duna”, un tema a piano, hipnotiza a los oyentes, mientras que “Reto” es una exploración oscura de las emociones y los horrores del enamoramiento. El contrabajo y las cuerdas bien colocadas aumentan el dramatismo y la tensión, mientras Sofía canta “me gustas, me das curiosidad”. “Poeta” es una emotiva balada adornada con arpas y cuerdas. El álbum también presenta momentos de atrevida experimentación; “La certeza” es un tema disonante y jazzístico con una parte hablada en alemán, mientras que “Derrames” hace gala de un minimalismo asombroso. El primer corte promocional, “Bucón”, presenta acordes sincopados que dan paso a un tema armónicamente rico e intrigante, a la vez acogedor y ligeramente desconcertante.
El álbum cierra con la increíble “La transformación del mar (Ltdm)”, una obra maestra que une varios elementos sonoros en un clímax triunfante. En conjunto, Las torpezas es un álbum rico y cautivador que demuestra el inmenso talento y creatividad de Sofía Naara, consolidando su lugar como una de las artistas más interesantes de la escena local. Estén atentxs a nuestra próxima entrevista con Sofía, en la cual hablamos de la grabación del disco y de sus próximos conciertos.
Perro Segovia – Cangrejo
Una de las cosas que más me gustan de la música es su capacidad para crear imágenes vívidas y emotivas en la mente de quien escucha. Esta capacidad de evocar sensaciones y emociones es lo que hace que algunos discos destaquen sobre los demás. Un ejemplo reciente de la escena local es Cangrejo, el último lanzamiento del artista Leandro Segovia, más conocido por su seudónimo Perro Segovia. Esta cautivadora mezcla de hip-hop lo-fi, jazz y melodías relajantes es perfecta tanto para viajar como para momentos íntimos, y transporta a los oyentes a un mundo de ensueño bañado por el sol.
El álbum empieza con la encantadora “Mate”, que sumerge al oyente en un ambiente playero, seguido de una melodía melancólica pero encantadora. A medida que la canción va ganando fuerza, nunca pierde de vista la celebración de pequeños momentos íntimos, como compartir un matecito con alguien especial. “Antes de despertar” muestra exuberantes progresiones de acordes, líneas de guitarra dispersas y suaves efectos de sintetizador, todo ello complementado por la voz dulce y ligera de Segovia.
Desde el ambiente difuso y acariciado por el sol de “Cartas: con Brendi” hasta la atmósfera de ensueño creada por el ritmo trap y el vocoder de “Reset”, Cangrejo es una experiencia plácida y despreocupada. Aunque el álbum es tranquilo y relajante, nunca resulta demasiado ligero ni desechable. Repleto de sonidos interesantes y composiciones emocionalmente conmovedoras, el álbum es una experiencia auditiva concisa y cohesionada que pinta vívidamente una imagen serena en la mente del oyente.
Los Peyotes – Vírgenes
Si alguna vez has ido a un recital de Los Peyotes, entenderás perfectamente a qué nos referimos cuando los describimos como un caos apenas controlado. El grupo ha sido uno de los actos en vivo más emocionantes en la escena musical de Buenos Aires durante más de veinte años, y su último álbum, Vírgenes, es un testimonio de su compromiso inquebrantable con el garage proto-punk 60s con un toque decididamente sudamericano. Aunque el sonido característico de la banda sigue intacto en este lanzamiento, hay una sensación de energía renovada y alegría que acompaña cada tema.
Uno de los cortes más destacados de Vírgenes es “El hombre de dos cabezas”, un tema intenso que demuestra todo lo que hace a Los Peyotes tan divertidos. Desde el riff de guitarra inicial hasta el contagioso estribillo, hay una sensación de extrañesa desenfrenada y alegre a lo largo de todo el tema. Y “La gente es una mierda”, que abre el álbum, expone la declaración de intenciones de la banda con bastante claridad. La guitarra surf-rock mutante de “No puedo aguantar más” es absolutamente adictiva, y la banda incluso se adentra en los sonidos de la cumbia en el tema “Cumbia del dolor”. Las letras siguen siendo tan extravagantes e irreverentes como siempre, celebrando a los extraños y maravillosos personajes que pueblan el universo de la banda.
De hecho, esa es una de las cosas que hace que sea un placer escuchar Vírgenes: Los Peyotes nunca tienen miedo de abrazar lo absurdo y lo poco convencional, ya sea a través de sus letras, sus imágenes o su sonido. Vírgenes es demuestra el poder perdurable de Los Peyotes y de su condición de pioneros de la escena que siguen siendo tan vitales como siempre.
Shu – Shu
El debut de Shu demuestra la capacidad de la jóven banda para crear intrincados paisajes sonoros que atraen al oyente a su mundo. Desde los evocadores paisajes sonoros hasta las capas vagamente inquietantes de sintetizadores difusos, el álbum muestra la inclinación de Shu por crear música que desafía las estructuras tradicionales. En su lugar, la banda utiliza una combinación de teclados sofocantes, piano eléctrico, letras oblicuas, percusión expresiva y sedosas líneas de bajo para guiar al oyente a través de su música.
El álbum es un viaje plácido en su mayor parte, en el que cada pista explora los rincones de sus contornos armónicos, e incluso los momentos en los que el ritmo y la intensidad aumentan (como en el tema “Ebelanta”) resultan apropiadamente ensoñadores. Sin embargo, hay una vaga onda inquietante que impregna todo el disco, creando una sensación de intriga y misterio. La habilidad de Shu para crear paisajes sonoros laberínticos es evidente en temas como “Portia”, que presenta múltiples líneas de bajo, capas de sintetizadores y una batería con influencias de jazz. La letra, compuesta por una colección de imágenes evocadoras, contribuye a la sensación ambigua e inquietante del tema. Las letras son oscuras, más preocupadas por esbozar un paisaje emocional que por ser directas. Menos mal. La ambigüedad aumenta el encanto del álbum.
Con cada tema explorando diferentes contornos sonoros, el álbum debut de Shu es un viaje de descubrimiento e intriga. La combinación de sus elementos musicales crea una experiencia auditiva única y cautivadora que sin duda dejará una impresión duradera.
Natalia Spiner – Axis
Axis de Natalia Spiner es una impresionante continuación de su álbum de 2019 La boya. Es una mezcla magistral de sonidos digitales y analógicos, entrelazando microbeats, efectos vocales y toques de producción glitchy con sonidos orgánicos como cuerdas, piano y otros instrumentos acústicos, con la composición de Spiner atándolo todo. El resultado es una atmósfera sonora única, rica en texturas e infinitamente fascinante.
El tema que da título al disco, “Axis”, presenta una especie de sonido chillhop lo-fi acelerado con una impresionante línea de bajo. Las voces invertidas, vagamente desconcertantes, añaden una capa extra de intriga, convirtiéndolo en una experiencia auditiva cautivadora. “Veneno”, con la participación de Moreu, es otro tema destacado que pone de manifiesto la composición confesional de Spiner y la producción ornamentada del álbum. Es una pieza musical interesante desde el punto de vista sonoro y poderosa desde el punto de vista emocional.
En algunos puntos del álbum, Spiner ofrece momentos de intensidad abrasiva que rompen las pistas más suaves e inspiran a los oyentes a bailar al ritmo frenético. “Nkaed” es un buen ejemplo de ello, con su ritmo palpitante y sus sonidos agresivos. Pero incluso en sus momentos dispersos de intensidad, Axis nunca pierde su sentido de la musicalidad y la sofisticación. En definitiva, con Axis Natalia Spiner ofrece un álbum absolutamente magnífico. Es rico, lleno de matices y extremadamente convincente a todos los niveles.
Superpapilas – Miércoles de Siluetas
Si hay algo que nos encanta cuando se trata de EPs, es cuando las bandas usan el formato para crear experiencias musicales breves y cohesivas. Con Miércoles de siluetas, el grupo Superpapilas nos ofrece un EP ingenioso y extremadamente disfrutable. Con sólo 16 minutos de duración, el EP casi se siente como una sola canción interconectada, que lleva a los oyentes en un viaje relámpago a través de varios estilos y géneros.
El EP arranca con la innegablemente divertida “Sale el sol”, un tema inteligentemente construido que entrelaza varias secciones distintas, desde una guitarra entrecortada y distorsionada hasta una psicodelia a lo Beatles y una coda de teclado ensoñadora. Los arreglos vocales del grupo lo mantienen todo unido, creando una sinfonía de bolsillo de indie argentino. De ahí pasa a “A1 As1”, un inquietante paisaje sonoro que sirve de puente para “Aun así”. Este tema está adornado con una hermosa melodía y una instrumentación empapada de reverberación, convirtiéndose en una cautivadora pieza de pseudo soft rock inspirada en los años setenta.
Superpapilas mantiene la energía con “Parálisis”, que vuelve a la onda alegre del primer tema. La guitarra slide y las agradables armonías vocales preparan el escenario para uno de los mejores solos de distorsión fuzz que jamás hayas escuchado. “Días Nuevos” aporta una fusión única de balada soul y psicodelia, completando el EP con una intrigante mezcla de sonidos. Aunque la canción más importante de Miércoles de siluetas es sin duda “Sale el sol”, todo el EP brilla más cuando se experimenta como un todo, con cada tema expertamente entretejido con el siguiente.